L’Oeuvre sans auteur – Partie 1 streaming | VF | HD :

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L’Oeuvre sans auteur – Partie 1 détails :

L’Oeuvre sans auteur – Partie 1
Réalisateur(s) : Florian Henckel von Donnersmarck
Acteur(s) : Paula Beer, Sebastian Koch, Tom Schilling
Catégorie(s) : Drame, Thriller
Qualité : HDlight 720p - 1080p
L’Oeuvre sans auteur – Partie 1 streaming vf :

À Dresde en 1937, le tout jeune Kurt Barnet visite, grâce à sa tante Elisabeth, l’exposition sur “l’art dégénéré” organisée par le régime nazi. Il découvre alors sa vocation de peintre.
Dix ans plus tard en RDA, étudiant aux Beaux-arts, Kurt peine à s’adapter aux diktats du « réalisme socialiste ». Tandis qu’il cherche sa voix et tente d’affirmer son style, il tombe amoureux d’Ellie. Mais Kurt ignore que le père de celle-ci, le professeur Seeband, médecin influent, est lié à lui par un terrible passé.
Epris d’amour et de liberté, ils décident de passer à l’Ouest…

L’Oeuvre sans auteur – Partie 1 en streaming légal

L’Oeuvre sans auteur – Partie 1 critique du film :

5 Commentaires pour le film “L’Oeuvre sans auteur – Partie 1” :

  1. J’ai eu le temps de regarder ce film hier et j’ai décidé d’y aller malgré ses 3 heures et 9 minutes. J’ai vu La vie des autres et Le touriste de von Donnersmarck (ce dernier était affreux). La vie des autres était excellente, alors j’étais impatient de voir ce qu’il verrait ensuite. Ne tenez pas compte de la longueur de ce film, c’est un film saisissant et saisissant de manière fantastique qui est en fait assez inspirant.

    Le film traite de la vie d’un artiste nommé Kurt de son enfance à l’âge adulte et des événements de sa vie qui l’inspirent pour qu’il devienne l’artiste qu’il est. Tôt dans sa vie, sa tante est euthanasiée pendant la période nazie en Allemagne, à cause de ses soupçons de schizophrénie. En grandissant, il a du mal à trouver sa vocation dans la vie, mais il ne sait pas que les événements de son passé sont ce qui est présent dans sa vie quotidienne, à son insu. Je sais que ce n’est pas un résumé en profondeur, mais c’est intentionnel, je veux que vous alliez voir ce film et que vous en fassiez l’expérience.

    Depuis les premiers instants dans la galerie d’art des musées jusqu’au dernier moment où Kurt regarde la caméra, c’est une vision fascinante. Elle est magnifiquement filmée et inclut un large éventail d’émotions et de processus de vie, notamment l’amour, la haine, la mort, le désespoir, l’ambition et la détermination. J’ai aussi aimé l’histoire d’amour dans le film. Normalement, les couples se chamaillent dans les films, mais dans ce film, son amour, sa passion et son soutien sont purs.

    Apparemment, le film est vaguement basé sur la vie de Gerhard Richter. Je ne peux pas vraiment commenter cette précision, mais je dirai que les peintures floues de photographies que Kurt peint sont absolument magnifiques. C’est tellement agréable de le voir enfin avoir ce moment et de trouver sa véritable vocation et sa véritable motivation pour la peinture. En fait, j’ai été inspiré par le parcours de Kurt dans sa vie et par la conclusion de cette recette du succès. À bien des égards, je peux comprendre.

    J’étais un grand fan de la partition émouvante de ce film. Surtout dans les dernières étapes du film où il était si efficace et si parfaitement adapté. Le jeu des acteurs est bon tout autour et parfois le film utilise l’humour subtil. J’aurais pu assister à une autre heure de ce film car il incarne une grande partie de ce que j’aimerais que les films fassent de nos jours.

    Je ne suis pas souvent très ému par les images comme si j’étais avec ça. Chaque scène de ce long film est importante car elle revient plus tard. C’est de l’art pur sous forme cinématographique. Je donne rarement des notes aussi élevées, mais je sens vraiment que Never Look Away mérite vraiment cet honneur. En effet, il est difficile de détourner le regard de la beauté exposée dans ce film. Juste une expérience vraiment émouvante que je recommande à tout le monde. 9/10

  2. “Never Look Away” est un très bon film. Il raconte la vie de Kurt, un artiste allemand né juste avant l’arrivée au pouvoir des nazis, qui survit à la guerre et étudie en Allemagne de l’est sous les communistes pour finir par se retrouver en Allemagne de l’Ouest et tenter de trouver son propre style. L’histoire est captivante, le jeu d’acteur est bon, il y a de belles scènes de nu, un excellent travail de caméra, des personnages intéressants et l’idée que toutes les sociétés totalitaires traitent leurs artistes comme un moyen de parvenir à une fin. Ce qui l’empêche d’obtenir une note de 10/10, c’est que tout est un peu trop. La tante bien-aimée de Kurt, Elizabeth, l’une des premières victimes des nazis, est déchirante, presque inhumainement, belle. Peut-être qu’elle est vue de cette façon par son neveu de 8 ans; mais il montre déjà le talent artistique précoce pour voir les choses telles qu’elles sont réellement. Il y a un méchant dans le film, et il est vilainement, presque inhumainement, méchant. Ce n’est pas simplement un échec artistique. Le fait que le méchant soit si pervers a tendance à détourner le spectateur du fait que l’Holocauste a été perpétré par des gens ordinaires et non par des super-méchants. Le film est long, à 3 heures et 8 minutes. Je ne me sens pas comme ça et je ne me suis pas retrouvée à regarder ma montre. Mais il aurait pu perdre une demi-heure, par exemple, et cela aurait été mieux. Et la musique est un peu exagérée, un peu trop emphatique. “Never Look Away” est un très bon film qui aurait pu être meilleur.

  3. Inspiré par la vie d’un artiste et les récits d’autres auteurs, ce conte de fiction demande aux artistes quelle est leur vérité et comment ils peuvent la révéler. En cours de route, il montre à quel point les réalismes de l’art nazi et soviétique présentent de fortes similitudes, alors que l’art moderne peut être une blague conceptuelle.

    Les humains sont deux familles qui, s’ils le savaient, se trouvaient de l’autre côté de la période nazie. Le père de l’artiste / mari souffrait trop tard pour rejoindre les nazis, alors que sa tante bien-aimée était renvoyée par son beau-père, puis dans les chambres à gaz. Mais le beau-père passe sa vie d’après-guerre dans la peur des chasseurs nazis, même s’il se cache à la vue.

    Avec un casting fort et des décors réalistes, c’est un film fort. Néanmoins, d’après le documentaire du réalisateur du Festival international du film de Toronto, l’idée d’une vérité subjective qui imprègne également le film peut être une distraction.

  4. Je ne recommanderais pas ce film à tout le monde: la narration est un peu lourde et, à mon avis, il n’était pas nécessaire qu’elle soit aussi longue, mais j’ai apprécié les comparaisons entre les mondes de l’art est-ouest et ouest-allemands, beaucoup de performances, et la plupart de la conception de la production.

    Pour donner un exemple de ce que je veux dire, je dirais que la première visite du protagoniste à l’Académie des arts de Düsseldorf coïncide avec une exposition d’étudiants et que les différentes œuvres sont toutes extrêmement avant-gardistes, au point que le mouvement fait l’objet d’une satire affectueuse – cela ne reflète pas ce que les vrais étudiants montraient réellement cette année-là. Inversement, les étudiants de l’Allemagne de l’Est sont tous montrés ne faisant qu’exagérément des pans de propagande social-réalistes, ce qui, je le soupçonne une fois encore, n’est pas tout à fait vrai. Mais les scènes servent de guides abrégés de quelques différences fondamentales entre les deux systèmes. J’ai compris que le réalisateur avait plutôt sympathisé l’un des professeurs de l’Allemagne de l’Est et n’avait pas immédiatement écarté l’idée qu’il existait peut-être quelque chose de contraignant dans la demande de l’Occident d’innovations constantes et d’individualités “héroïques” dans l’art. Néanmoins, la croyance évidente du film est que son personnage principal, Kurt Barnert, et le professeur avant-gardiste, le professeur Antonius van Verten (basé évidemment sur Joseph Beuys, bien que je sois heureux que le réalisateur ait changé de nom), sont des héros. (Je suis complètement en désaccord avec l’affirmation du Prof. van Verten selon laquelle les artistes ne devraient jamais voter aux élections.)

    Certains des scores semblent avoir pour but de manipuler les sentiments du public, mais ces moments ont été réalisés de manière si évidente qu’ils ne m’ont servi que de moyens de distanciation brechtiens.

    J’étais un peu dérouté par le traitement réservé aux femmes par le film. Le réalisateur a évidemment de la sympathie pour les personnages féminins. Mais même le plus important, la femme du personnage principal, est complètement séparé de la carrière artistique du héros, qui est la chose la plus importante de sa vie. On lui montre qu’elle crée son propre travail en tant que créatrice de mode, mais on n’en apprend jamais rien, et la protagoniste ne lui parle jamais de ses créations … et elle ne lui parle jamais de ses peintures, même si elles sont en partie à propos de sa famille. Au mérite du réalisateur, des étudiantes en art sont présentées en Allemagne de l’Est comme en Allemagne de l’Ouest, mais aucune d’entre elles n’a de lignes. Nous apprenons ce qui arrive au père de Kurt, mais, à moins que nous n’ayons manqué un peu de dialogue avec mon compagnon, sa mère disparaît tout simplement de l’histoire.

    En outre, le POV du film est classiquement “regard masculin:” si le réalisateur a une excuse pour montrer un sein nu, il le fera, même si l’on peut soutenir que cela est inapproprié. La seule nudité masculine frontale concerne des artistes complètement cachés par la peinture – peut-être que la version allemande du film est différente? Il y a même un moment peut-être humoristique involontaire lorsque trois des amis amis des arts plastiques de Kurt sont transpercés par un portrait nu de sa femme. La caméra plane au-dessus du tableau, de sorte que nous ne prenons pas tout à fait son POV, mais nous voyons leurs visages stupéfaits. l’opinion de la femme n’est jamais abordée.

    Bien sûr, après avoir vu le film, j’ai parcouru les événements réels sur lesquels il est basé, et j’ai été surpris de voir que la personne qui a inspiré le personnage de tante Elisabeth était beaucoup plus jeune que la version à l’écran – seulement 14 ans à l’époque. de certains des événements importants présentés dans le film. Je ne peux pas m’empêcher de penser que le changement d’âge a été opéré pour que le réalisateur puisse sexualiser le personnage – le film implique que Kurt trouve un parallèle entre sa tante et sa femme. Les scènes de nu de la tante sont justifiées par l’histoire, mais elles semblaient toujours jouées pour des raisons sexuelles, même dans les pires moments – comme si le réalisateur craignait que le public ne comprenne pas le sort du personnage si elle n’était pas sexuellement attrayante à tout moment. (Remarque concernant le costume: la longue coiffure anachronique de tante Elisabeth et sa tenue inhabituelle m’ont énervé pendant les premières scènes du film. Mais la plupart des décors que j’ai aimés me plaisaient, à l’exception des yeux artificiellement bleus de certains acteurs.)

    Je recommanderais le film, avec des qualifications, à des personnes ayant un intérêt particulier pour le monde de l’art ou en Allemagne dans les années 1930-1960, mais probablement pas à quiconque ne le ferait pas.

    Note historique: avant qu’un Américain ne s’éloigne de ce film avec un sourire suffisant par rapport à son gouvernement par rapport au gouvernement nazi, veuillez consulter le jugement rendu par la Cour suprême des États-Unis en 1927, “Buck vs. Bell”.

  5. Florian Henckel von Donnersmarck devrait être un homme satisfait. Il a fait des débuts remarquables en 2006 avec The Lives of Others, ce qui lui a immédiatement valu un Oscar. Il est ensuite tombé victime d’Hollywood, qui lui a offert la chance de faire un thriller d’espionnage prodigieux, mais il s’est finalement retrouvé dans The Tourist, un véhicule vedette qui avait l’air magnifique mais ne présentait que très peu de son talent narratif (ni du talent de Johnny Depp ). Cela lui a pris huit ans, mais avec Werk ohne Autor / Never Look Away, il est de retour à la normale. C’est ce film qui me fait espérer qu’il a appris une leçon précieuse et qu’il réalise davantage de films personnels de ce type, où il appelle les coups au lieu des stars ou du grand studio.

    Le titre original, qui signifie “oeuvre (sans art) sans auteur”, est le thème général du film depuis le début, lorsque le jeune protagoniste Kurt et sa tante subversive ont compris que l’Allemagne nazie considérait l’art comme un simple vaisseau pour propager son idéologie. ; les contacts individuels ou toute critique implicite sont vus comme un simple égocentrisme. Ironiquement, même le régime communiste de la RDA qui remplace les nazis des années plus tard adhère au même dogme rigide: l’art doit servir la cause politique et non l’artiste. Kurt se sent extrêmement gêné par son incapacité à créer l’art qu’il souhaite, et même après un déménagement dans l’Ouest libre, il découvre que des années de répression le rendent difficile pour lui de trouver sa propre signature.

    Parallèlement à l’histoire de Kurt, nous suivons le professeur Seeband (le très fiable Sabastian Koch), un gynécologue respecté qui a malheureusement adopté l’idéologie nazie consistant à préserver la pureté des lignées en retirant de la société les malades mentaux et physiques. Cela signifie imposer sans pitié des personnes à la stérilisation forcée, voire à la mort, lorsque cela profite à l’humanité. Même s’il a survécu de peu à la guerre, il reste un partisan convaincu et sans faille de cette conviction, même s’il doit la cacher. Cependant, ses péchés reviendront le hanter, d’une manière ou d’une autre. Comme le destin l’aurait voulu, Kurt et Seeband ont tous les deux plus en commun qu’ils ne le réalisent jamais et peuvent même jouer un rôle majeur dans la vie de l’autre. Le film est divisé de manière invisible en chapitres alternés où nous suivons ces personnages, parfois séparément, souvent aux points d’intersection du cours de leur vie.

    Il est agréable de voir à quel point le scénario du réalisateur von Donnersmarck équilibre ces deux histoires et les lie. Il prend amplement le temps de montrer comment ces deux hommes vivent avec le fardeau de leur passé de plus de trente ans dans une Allemagne divisée. Même si l’intensité des événements varie et que le film dure 188 minutes, le film ne dure pas une minute. La deuxième partie de la Seconde Guerre mondiale est sans aucun doute la séquence la plus captivante et la plus émouvante du film. Le réalisateur s’autorise les plus grands gestes pour raconter son histoire, ce qui en fait des scènes mémorables et difficiles à regarder. Après Der Untergang (La chute) et La vie des autres, cela montre encore une fois que les cinéastes allemands n’hésitent pas à montrer les moments les plus laids de leur histoire.

    Après les séquences de guerre, le réalisateur déplace nos émotions de manière plus subtile. Les souvenirs passés de Kurt l’ont irrévocablement façonné, mais aucun d’entre eux ne nous a été giflé. Et malgré les dispositions cruelles de Seeband, il reste de l’humanité en lui. Avec la belle cinématographie de Passion de Caleb Deschanel du Christ, Kurt est en train de devenir un homme avec un grand humanisme, un drame, un humour surprenant et un moment charnière où sa tante l’initie à la sexualité et lui dit de “ne jamais détourner le regard”, ce qui explique le titre anglais aussi très convenable. La nudité et le sexe sont faits avec une approche ludique et se sentent très naturels dans l’histoire, nous rappelant des épisodes similaires dans nos propres vies et l’époque où le cinéma traditionnel était beaucoup plus à l’aise avec la description de telles scènes.

    Outre l’étude des personnages et le poids subjectif de notre passé, il y a une question centrale fascinante de ce qui produit un art authentique. Est-ce en suivant des mouvements établis, ou en trouvant sa propre voie et en ignorant la tradition établie si nécessaire? Et comment décrivons-nous la «vérité»? Le film ne donne pas de réponse définitive à ces questions universelles, mais la solution de Kurt marque le point où son histoire et celle de Seeband atteignent leur point culminant émotionnel. Même ici, von Donnersmarck aurait facilement pu devenir grand, mais il fait preuve de retenue en ne recherchant pas la conclusion la plus évidente ou la plus satisfaisante. Beaucoup est laissé à notre propre interprétation, comme une véritable œuvre d’art.

    Tout comme The Lives of Others, ce film est un autre excellent exemple du talent du réalisateur pour lier des personnages et des histoires, tout en abordant le passé troublé de son pays. Mais même comme un livre d’images, le film fonctionne et ne s’ennuie jamais. La nomination aux Oscars du meilleur film étranger est plus que méritée, de même que le signe de la meilleure cinématographie. Bonne chance là-bas!